『気になる二人のNY対談』 on NYジャピオン

5月29日（日）のBlue Note公演に先立ち、現在配布中の「NYジャピオン」紙上にて高免信喜氏との対談が掲載されています。スペースの関係もありすっきりコンパクトに纏めて頂きましたが、実は3時間ほどにも渡ってかなり多様でディープな話が繰り広げられた、楽しく貴重な機会でした。ウェブでも御覧頂けます。読んでねー。

http://www.ejapion.com/interview/ny-talk/32453

2016年1月9日（土） 無双 TOKYO EDITION - LIVE @ Absolute Blue

新年早々、日本にお邪魔してこの凄いメンバーとライヴやります！

お見逃しなく！

凄いメンバーを集めることに成功してしまいました。わははは。

市野元彦さんと古谷淳さんはBerklee音大の同期で、現在御自身のプロジェクトを中心に日本で大活躍中。お二人とも独特の音世界を繰り広げ注目を集める、僕の大好きなミュージシャンで、過去に帰国ライヴを行った際にも御一緒して頂いています。

井上陽介さんは申し上げるまでもなく文字通り日本を代表する名ベーシスト、彼がNY御在住の頃ちょくちょくお世話になりました。

余りにも共演が待ち遠しすぎるこのカルテットで、オリジナルとスタンダードを織り交ぜたっぷり2時間、極上の音楽、お届けします！めったに見られないこの組み合わせの妙が生む一晩限りのステージ、絶対にお見逃しなきよう今から御予約下さい！

そして気になる「ハコ」は、先般惜しまれつつ幕を下ろしたSOMETHIN' Jazz Club NYでさんざんお世話になった星川あゆみさんが、帰国後池袋に立ち上げたライヴハウス、Absoute Blue。母校立教大学時代に夜な夜な遊び歩いた（笑）西池袋に新たなシーンを築きつつあるこのヴェニュー、初出演が今から楽しみです！

皆様にお会い出来るのを、心からお待ちしています！来てね～

★御予約はこちらから！

自己開示

僕は数年前からフル・タイムの音楽家ではなくなり「もう一つの仕事」のためにニューヨークから少し離れたところに移った。それは別に隠していることでも何でもなく、僕と直接関わりを持っている人なら皆知っている。それは家庭を持つ人間として人生設計の過程で決めたことで、恥ずかしいことでもない。しかしミュージシャンとして振舞うときに「敢えて言う」ことはしてこなかった。

アメリカで一人の人間が異なる職種の仕事を二つ、三つ抱えていることは珍しくない。格差が激しく失業率の高いこの社会に於いて、それは収入の安定を図るためであると同時に、一つの仕事がコケたときの保険でもあり、また人の生涯がたった一つの仕事によって規定・評価されるものではないという文化社会的な流動性、柔軟性が確保されていることの証左でもある。

ミュージシャンとて例外ではなく、素晴らしい音楽を生み出しながら会計士をやったり教師をやったり弁護士をやったりその他の商売をやったりと自由である。ここでは「音楽家(musician)」とは「音楽を作る人(one who creates music)」全てを指し、その活動が家計にどれほど貢献しているかの度合いにはあらゆるグラデーションが考えられ、決して「プロ」と「アマチュア」の二極ではない。そして生み出す音楽の質と「食えているかどうか」には（残念ながら）殆ど相関性がない。

日本人の方々は何故か一つの仕事で食っていくことにこだわり、他人にもそれを求めるので、自然ミュージシャンについても「それだけで食っている『プロ』」と「趣味でやっている人」の二種類しか思い付かないようである。今でも思い出すのはかつて流行ったMySpaceのミュージシャン用ページのプロフィール欄で、英語のオリジナルでは 「Signed」「Indie」という選択肢だったのが日本語訳では「プロ」「アマチュア」に置き換えられていて「すげえな、メジャー契約していないミュージシャンはみーんなアマチュアか」と日本人が持つ音楽業界観の厳しさに苦笑したものだ。

そんなわけで特に日本人と接する場合、僕のような「兼業」ミュージシャンは居心地が悪い。音楽家ですと言えば「すごいですね、音楽で生活していけるなんて！」という反応が往々にしてあり、他にも仕事を持っていると判ると何だか騙されたというようにガッカリなさる方も稀にいる。僕自身は以前に比べてペースこそ落ちたが変わらず「プロの仕事」をして対価を頂戴しているし、一緒に音楽を作っている仲間の多くはフル・タイムの音楽家として頑張っている。僕が音楽だけを生活の糧にしていないからといって「じゃあ趣味でやっていらっしゃるんですねー」などと言うことは、僕の音楽性と技術、そして事前の準備などを含めたプロフェッショナリズムを信頼して雇ってくれる彼らに失礼な話だと思うが、まあ音楽を生業としない人々には中々そこまで考えは回らないのかも知れない。

そんな日本人特有の「仕事観」に基いて活動を評価されたり、専業でないことに無用な罪悪感を背負わされるのがちょっと辛いなと感じることがあり、ここに敢えて兼業であることを開示してみようかと思った次第。ミュージシャンといっても色々な生活スタイルがあるのだということがもっと理解されればと思う。ペースがゆっくりになったとはいえ、ニューヨークを中心とする音楽シーンを現在進行形で創り上げている素晴らしいミュージシャンたちの多様なプロジェクトに今も関わることが出来るのは有難く嬉しいことだ。今後も自らの最善を以って彼らの美しいヴィジョンを表現するために尽くしていきたい。

8月1日（金）、無双 TOKYO EDITION!!

ONE NIGHT ONLY!!

♪日本の皆様へ

所用あって7月末～8月頭に超短期ですが一時帰国するのに伴い、8月1日（金）に一晩限りのライヴを東京都内で行います！急な話だったにも関わらず、ジャズのみならず矢沢永吉や森山良子のツアーなど幅広く活躍する日本を代表する名ギタリストの三好“3吉”功郎さん、バークリー時代の同期で現在日本ジャズ界で大活躍中のピアニスト古谷淳さんとベーシスト嶌田憲二さんが快く共演を引き受けて下さいました。「無双 TOKYO EDITION」と題し、オリジナルとスタンダードを織り交ぜてお送りする予定です！

8月1日（金）
7:00pm 開場
8:00pm 開演

¥2,500 + 1 drink

Jazz Spot THELONIOUS
東京都中野区東中野4-3-1
もみじゃビルB1F
03-3365-0572
http://www6.ocn.ne.jp/~monk/

【無双 TOKYO EDITION】
三好“3吉”功郎（guitar）
古谷淳（piano）
嶌田憲二（bass）
ウチダユタカ（drums）

帰国するのは2010年に結婚式を挙げて以来、およそ4年ぶり。久々に日本で演奏出来ることを心待ちにするとともに、この機会に皆様にお会い出来ることを心より願っております。是非ぜひお越し下さい！

ウチダユタカ

『Tuesdays / 人生は火曜日』出演 - 後編が公開されました

清武友佳理さん司会のインターネット・ラジオ、「Tuesdays / 人生は火曜日」のインタビュー後編が公開されました！
自分なりの音楽観、人生観を喋らせて頂きました。下の写真をクリックしてどうぞ！
まだの方は、前編も是非よろしくお願いします。

インターネット・ラジオ「Tuesdays / 人生は火曜日」に出演しました

清武友佳理さん司会のインターネット・ラジオ、「Tuesdays / 人生は火曜日」にゲスト出演しました！

普段余り話さないようなことを色々と喋っております。前編が公開されましたので是非お聴き下さい！

下の写真をクリック！

MUSOH @SOMETHIN' Jazz Club, 11/09/2013

 

 

Dear music lovers,

Once again, my beautiful sonic children, my labor of love for music have been neglected for months... but I'm glad to announce that some of them get to be played live soon!

Please do come join us on November 9th as I proudly present this special set with these amazing musicians!...

*SOMETHIN' Jazz Club is a family friendly venue - feel free to bring your children!

Saturday, November 9th
5:00-7:00pm

MUSOH featuring:
Jostein Gulbrandsen (g)
George Dulin (key)
Trifon Dimitrov (b)
Yutaka Uchida - Composer/Drummer (comp/ds)

$10 Cover
*Kids under 13 - $5
*Kids under 2 - FREE

SOMETHIN' Jazz Club
212 E 52nd Street, 3rd Floor
New York, NY 10022
(212) 371-7657
http://www.somethinjazz.com/ny/

Visit Yutaka/MUSOH's website:
http://yutakauchida.com/



MUSOH LIVE@SOMETHIN' Jazz Club, 6/23/2013

MUSOH is back! Mark your calendar!!

覚醒した者だけが夢を語り得る

原発問題は出来るだけ追うようにしている。歴史をそれ以前と以後に分断してしまうような大事故の後、当然のことと思っている。そして関連するニュースや取材記事のリンクをTwitterでRTしたり、Facebookに貼り付けたりし続けている。自分でも思うところを言葉にして書くこともある。情報を、問題意識を共有して初めて、「その先」が開けると考えるからだ。

非日本語圏の記事も紹介している。日本人以外の友人にも現状を知って欲しいし、そもそも日本のメディアが避け続けている案件に切り込んだ優良記事も多いからだ。

反応は鈍い。シェアしたり、何かコメントを残したりしてくれる人は大抵ごく限られた同じ人々だし、多くの人は読んだという痕跡すら残していかない。殆どの人は読んでいないのだろう。Facebookでは面倒くさい、鬱陶しいということで僕の投稿がNews Feedに流れないように設定してしまった人もいるかも知れない。

余りにも被災地や原発問題の現実が厳しすぎ、重すぎるから、目を瞑って遣り過ごしたいという人がそれだけ多いのだろう。しかしアーティストの端くれとして言わせて貰えば、アーティストこそ最も現実を直視して生きていなければいけないと思う。そして僕の友人の大半がミュージシャンを始めとするアーティストであることを考えると、この静けさはどうかしていると思う。

ネガティヴなことは言いたくない、人に光や希望や夢を与えたいから、疲れた人々に癒しを与えたいからというアーティストたちがいる。結構だ。しかし現実に目を瞑るアーティストが語る夢物語は泡沫（うたかた）である。その場限りの麻薬である。身を投げようかという者に、まあ取り敢えず一杯やりたまえと酒を差し出すようなものである。

束の間辛さを忘れても、希望は生まれない。現実を知り、伝え、共に解決の道筋を探っていく中でしか、真の希望や夢を描いていくことは出来ない。そのような確かな手応えのある希望や夢をアートによって描くことが出来るなら、深い癒しも可能だろう。一方、現実と向き合うのがイヤだと眠りの世界に逃げ込んで、目を醒ましたくないと駄々をこねる者がいたなら、その頬を引っぱたいて現実を突き付けるのもアートの仕事だろう。

いずれにしても、アーティストは覚醒して現実に寄り添って生きていなければ使命を果たすことは出来ない。アーティスト自身が眠っていてどうするのだ。眠る者は夢を語れない。覚醒した者だけが夢を語り得るのである。

原発災害は、10万年単位、100万年単位での未来への想像力を僕らに要求している。それは途方もない時間のようだけれども、元々人類はそのような悠久の時の流れの中、自然と共に暮らす知恵を脈々と受け継ぎながら過ごしていたのだ――1万年ほど前に一部の人類が、自然を征服し世界を我がものにしようと決意するまでは。僕らはそのような時間感覚を取り戻さなければいけない。

100万年前の過去に思いを馳せ、そして100万年先の未来に想像を羽ばたかせ、その大きな時の流れの中で現在を見つめたい。その上で確かな希望の芽を感じられるような作品を僕は書いていきたいし、そのような取り組みを同世代のアーティストたちがもっともっとしなければいけないのではないかと思う。

そんな訳で、まだ出来上がっていない僕の次作には "A Million Years Ago, A Million Years Ahead" というタイトルが付いている。

※追記
"A Million Years Ago, A Million Years Ahead" は2013年6月に完成し、以降必ずMUSOHのライヴで演奏しています。

気付いたその時から始めなければならない

そしてまた3月11日が来て、世界中の人々が、様々な形で、被災地の復興を願い、命を落とした方々を悼み、また政府発表とは裏腹に一向に収束の気配を見せない原発事故を憂い、我が祖国の行く末に思いを馳せてくれた。

この一年、多くのミュージシャンが自らに問うたのではないだろうか。このような時に、どのような音楽を紡いでいくべきなのか、自分の負うべき役割とは何なのかと。

私の妻、麻衣子は11日、友人でマクロビオティック・シェフの山脇奈津子さんと共に、「子供と楽しむ」チャリティー・コンサートを行った。二人の母親の呼び掛けにより、会場であるNY市内のジャズ・クラブは多くの家族連れの御予約で満席となった。小さな子供たちにも馴染みのある曲を盛り込んだレパートリーと、身体に優しいお菓子・スナックで、皆さんに楽しんで頂けたように思う。

だが個人的に何より意義深く感じたのは、このコンサートを開催するにあたり、彼女が放射能汚染による子供たちの健康への懸念と、原発依存への反対意志を明確に表明したことだった。本人が意識していたかどうかは判らないけれども、腰が引けて何も言わない者が多い中、これは勇気ある宣言であり、私は我が妻ながら尊敬し、誇りに思う。

ただでさえ音楽が商売になりにくい昨今、政治・社会問題についての立場を明らかにすることは「得にならない」故に、多くのミュージシャンは口を噤むか、全方位的な「頑張ろう」などのメッセージでお茶を濁すのだ。だが社会に問題提起の一つも出来ないばかりか、既に提示され与えられた問題への立場表明も出来ずにアートやアーティストの存在価値など果たしてあるのかと、自戒を込めて思うのである。

私は去年の9月にMUSOH（無双）を立ち上げたが、原型はずっと前、2004年頃に出来ていた。それは1998年頃以降に読んだDaniel Quinnの諸作品から受けた衝撃がインスピレーションになっていて、以来私の作品の多くは、同じテーマに貫かれている。詳しくは彼の著作を是非お読み頂きたいが、非常に噛み砕いた言い方をすれば、世界が人類のためにあるという狂ったヴィジョンを捨て、自然界の法に従い、破局を回避する生き方の模索がテーマであると言える。ただこの数年、曲作りのテーマ自体は変わらなかったものの、それを殊更に明言することもなく「伝わる人に伝わればいい」くらいの態度で来てしまったところがある。

だが2010年の9月に結婚し、その半年後に震災が起こり、その3ヶ月後に私は父親になった。小さな新しい命を抱き、この上ない幸福や希望、父としての責任や使命感に包まれると同時に、それまで観念的な域を出なかった私の現在への憂いや未来への懸念は、いよいよ肚の底から感じられる身体的なものになった。そして私の音楽活動もようやく私という人間の、思考（頭）だけでなく身体や生活、つまり人間としての全体的な活動と一つになりつつあるように感じるのだ。そのような気付きがMUSOHの立ち上げに繋がっている。

遅きに失していると言われるかも知れないけれど、気付いたその時からやはり始めなければならないのだ、疎まれたり避けられたりするかも知れなくても、我が子、そして人類の将来に関わる重大事に口を噤んでいてはいけないのだと自分に言い聞かせ、信念を持った創作活動をし、またそれを人にしっかり伝えていきたいと気持ちを新たにした3月11日だったのである。

The concept of "Lead Improviser"

To me, one of the strangest tradition in jazz improvisation is that people don't usually accompany drum solos. In most cases, the drummer would still be playing over the form, so it's not logical to just abandon him just because it's a drum solo.

Years ago a friend of mine told me, "Well, I guess it's because we think it's time for you to shine."
My answer: "Well, why don't you accompany me and help me shine then? That's what I've been doing the whole tune after all - I accompany every one of you guys, providing you with grooves, dynamics, accents and ideas, responding to your ideas and help you shine along with other accompanists. I think it'd be only fair if you do the same for me!"

People like to compare a group improvisation to a conversation. According to this analogy, the situation can be described like this:
A group of people is having a conversation over a topic. Everyone expresses their opinion about it, everyone else chimes in, nods along, agrees/disagrees, etc. - in others words, they give the real time, spontaneous feedback to the speaker at the moment. Very lively, fun chit-chat. And then ...as the drummer starts to give his share of thoughts, everyone else just stops talking and it turns into a speech. God, I hate that feeling.

Actually, I think the term solo in jazz context is misleading - or plain false. In most cases, a soloist doesn't play alone. He might be the featured improviser at the moment, but everyone else is improvising with him, too.

I also think that, to really have a conversation with music (not that you have to, but if you want to), we need to forget this old "soloist-accompanists" mentality and start learning from our real life conversational patterns. When we talk among ourselves, we don't designate soloists or set length. Someone might be leading the conversation at one moment, but it could be someone else a few seconds later, not because he was given his turn, but because the conversation naturally led that way. It's more of a continuous, organic process.

So, instead of "soloist," I'd like to use the term "lead improviser" to describe the person who leads the musical conversation at any given moment. I think this concept might get us out of the haunted "head-solo-solo...solo-head" routine and open the door to the world of real collective improvisation, where all the talks are interactive, multidirectional and continuous, and even the drummer won't be left alone when he happens to lead the conversation in the process.

音楽とは根源的に愛の行為である

大学生の頃、僕はよく「音楽は愛だ」と後輩たちに説教していた。
まあ何となく雰囲気で言っていた部分もあるのだが、一方でその言葉に含まれる真実には確信も持っていた。

日本の大学ビッグバンド・シーンには某有名楽器店主催のコンテストがあったりして、それは学生たちが腕を磨くモチベーションとしては良いのだが、競争心が過剰になる余り他所の学校から優秀なプレイヤーを引き抜いたり、僅かな技術の差がレギュラー／補欠という地位の違いとなって現れ、演奏出来る機会を多く持つ者とそうでない者が生まれたりと、音楽が本来もたらしてくれるはずの心の豊かさを奪う悲劇も起こったりした。きっとそれは今でも起こっているのだろう。僕自身もそういった特有のカルチャーに翻弄された経験があり、反発していた。だから自分がリーダーとなったとき、後輩たちには「コンテストで入賞するなんてことは音楽の本質とは微塵も関係がない」ということをきっと切実に伝えたかったのだ。

ただ当時は、それがどうして愛という言葉に繋がったのか自分でも判っていなかった。
今は判る。そして今改めて「音楽は愛だ」とつくづく感じている。

誤解のないように申し上げておきたいが、僕は決して、技術を軽視して「気持ち」で音楽が何とかなると思っている人たちには与しない。音楽を実際に創る行為には技術が不可欠で、それは身に付けなければならないものだ。情熱だけで家は建たない。釘を打つこともままならないようでは、不格好な小屋さえ建てることは叶わず、永遠に設計図（楽譜）を眺めるに留まるしかない。

そういう精神論ではなく、音楽とは根源的に愛の行為なのだ。

何故なら音楽とは、インスピレーションの泉から汲み上げた美や神秘や真実を慈しむ心から生まれるものだからだ。
何故なら音楽とは、そのような美や神秘や真実を、人々と分ち合いたいという衝動の産物だからだ。
何故なら音楽とは、そのような美や神秘や真実を形にするために、私心を滅し、尽くし、身を捧げる行為だからだ。
何故なら音楽とは、そのような美や神秘や真実に共鳴する仲間と手を取り合い、互いの創造性や表現に敬意を払いながら作品という我が子を育て上げていくプロセスだからだ。
何故なら音楽とは、そのような美や神秘や真実を、音という奇跡的な媒体を通じて伝え合い、感じ合い、響き合わせる、至上の官能的体験だからだ。

音楽は愛だ。

今年一年、愛を受け止め、愛を投げ返し、愛を広めてくれた全ての方々に感謝を込めて。
来る2012年、皆がより一層愛し合える世界でありますように。

Music is only a half of a musical experience

You listened to a piece of music and it touched your soul so deeply it changed your life. Now you are his devoted fan, and can't wait to share this artist's masterpiece with someone. One night a friend comes over to your house and you play one of the artist's CD in excitement of blowing his mind...

The result was not what you expected.
Not only was your friend not impressed and didn't care for it, but he went on to explain how and why he didn't like it, and then thanked you for wasting his time.

In disbelief you accuse your friend for being such an ignorant and unsophisticated person.
Are you kidding me!?
How can you NOT love this music?
How can you NOT get this beauty?
You have no depth, no taste, no sensibility!

A while after your friend stormed out, you begin to wonder.
Could it be me...?
Could it be that I was the one with bad taste?
Could it be that I was the one who was ignorant and unsophisticated?
All of a sudden, you feel your love for this artist and his music fading away...

...The above is kind of an extreme example, but similar stories are happening everywhere in the world. Everyday, someone's wonderful musical experience gets dismissed, dimished and destroyed by someone else's opinion. I have certainly experienced such unpleasant moments.

Dear music lovers, don't get discouraged. Your friend can dislike your favorite artist all he wants, but no one can ever touch your experience of being exposed to the artist's music. It is yours and yours only, and no one could ever experience the same thing.

There is no such thing as universally great music that moves anyone, anytime, anywhere. Why? Because experiencing fine music cannot be determined by the music alone, just like experiencing fine dining cannot be determined by the food alone.

Even if the dish is prepared with the world's best ingredients, skills and presentation, it's still only about a half of the factors that decide the whole experience of having a great dinner. The other half is called circumstances. Is the atmosphere good? Is the server courteous and informative? Are you with someone you love? What stage of life are you in? Are you happy? Are people at the other tables nice? Is it reasonably priced? ...all these things can have great impact on your evening, good or bad.

So you see, your friend did not have the same experience as you'd had, when he listened to your favorite music. He couldn't have. Music was the same, but the circumstances were different. Different place, different time, different stereo, different volume, different company, different age, different state of mind, different person... what can you do?

Musicians need to be humble. We strive for excellence, we put a tremendous amount of effort and time into our "dishes," but we cannot control our listeners' musical experience after all. All we can control is our music. Everything else is circumstantial.

自分を捨てたその先に個性は花開く

「自分らしさ」という言葉ほど胡散臭いものはない、と少し前にTwitterで呟いた（その1、その2）。自ら「らしさ」を定義することは、結局アーティスト自身が自由な創造への扉を閉ざすことだというのがその主旨だった。その一方「自分らしさ」に縛られたミュージシャンが音楽そのものに与える影響も見逃せない。

「自分らしさ」の表出が目的になってしまえば、音楽はそのための単なる道具になり、音楽そのものが持つインスピレーションは濁って行く。音楽家として僕が心掛けているのは、むしろ自分をどんどん無くしていくことである。仏教で言うところの「無我」の境地はある意味理想だ。まっさらな自分を通して、音楽の抱えているメッセージ、ヴィジョンを濁らせること無く表現し伝えられれば、言うことは無い。

「自分を通して音楽を表現する」のだ。「音楽を通して自分を表現する」のではない。ミュージシャンはmedium＝媒体なのであり、インスピレーションのsource＝源はあくまでも音楽そのものにある。ただ、無我とはやはりあくまでも理想郷なのであって、人である以上どうしてもその人となりは出てしまう。ここに個性というものが立ち現れる。自分を捨て、音楽に献身的に向き合った結果、どうしても消えずに最後に滲み出てしまうものこそが個性であり、それは自ら決めつけた「自分らしさ」とは全く異質のものだ。

音楽制作とは多くの場合、作曲家や演奏者だけに留まらない複数の人間によるアンサンブルであるから、全員が「この音楽を表現するために我々はどう貢献出来るか」という態度で臨まなければ好ましい結果は見込めない。関わる人々がそれぞれ一つの作品に対して私心なく尽くしに尽くしたその先に初めて、個性の花咲く地平が見えてくる。他の大勢との対話、双方向の批評、協同的な創作プロセス、そうしたものを全て背負った上で花開く個性。それは始めから「自分を出す」ことばかり考え、自分勝手に定義した「自分らしさ」よりはるかに強靭で美しい。

大切なのは音楽そのものが伝わっているかどうか。無心で自分を捧げれば、個性は後から付いてくる。

Aki Yamamoto and The Archi-tet

On "JAZZ... MAKE IT A DOUBLE" on October 22nd, MUSOH will share the bandstand with The Archi-tet, a wonderful mid-sized ensemble led by my good friend Akihiro "Aki" Yamamoto.

My first experience of playing jazz was to join a college big band, so I have always enjoyed and appreciated playing in large ensembles, although as a composer I tend to write for small groups more often. The Archi-tet boasts gorgeous harmony of three horns for which Aki carefully and tastefully prepares his charts. It is a very flexible setting where you can have the well structured arrangements as well as the room for spontaneous improvisations, so the listeners can really enjoy the best of both large and small ensembles.

When you listen to our works, it may seem that Aki and I take entirely different approaches on creating music. But the differences are only stylistic and superficial. I actually find his philosophy and attitude towards writing and shaping ensemble very similar to mine. We compose and arrange from producer's perspective and believe in compositions drawing big pictures rather than being mere vehicles for individual expressions. We write, arrange and direct according to the messages, tales or visions that we would like to convey, and it is our job as band leaders to present those in every step of the way. This type of approach, when done properly, makes every solo relevant, every tune coherent, every set thematic and ultimately, every show memorable and meaningful - so I believe.

As a drummer, I also enjoy being a part of this machinery that translates Aki's visions into sounds. Sometimes he requests something that's challenging, more so on conceptual level than technical, but usually once you hear it, you get it, and it's beautiful. You see, Aki the composer is the architect and we, including Aki the bassist, are the craftsmen who actually make his dream reality through our own skills and creativity.

I'm very glad and proud to have Aki and The Archi-tet on this show and I know I will have a blast. And I know that you will enjoy his fantastic tunes, too!

作曲とは曲の本当の姿を見付けること

10月22日の "JAZZ... MAKE IT A DOUBLE" に向け、何とか新曲を2点仕上げることが出来た。

いずれ曲に発展するかも知れないアイデアの断片はいつもストックしているが、演奏すべきライヴ、そしてそのためのリハーサルという締切が無ければ、それらは決して曲になることはない。今回はそれに加えて「新曲を書き始めた」「新曲を演奏します」とTwitterやFacebookで宣言までして自分にプレッシャーを掛けた。2曲書くというのは自分に課した目標だった。1曲書き終えた時点でリハーサルまで2日を切っており、正直なところ1曲新しい演目があれば許して貰えるのではないかという思いも頭を過ったが、もう1曲も書き掛けだったし、今回所謂「対バン」であるところのThe Archi-tetの方も新曲が2点用意されていたので、イベントの企画者としても仕上げないわけに行かなかった。

このような産みの苦しみはもう毎度のことだ。毎回自分で設定した締切ぎりぎりまで七転八倒、泣きそうになりながら書いている。今回も2曲の清書をFinaleで終え、プリントアウトしたのはリハーサル30分前だった。リハーサルの場所を近所にしておいて本当に助かった・・・しかしそんな苦闘を繰り返しながら、いつも納得の行く作品を必ず仕上げて来ている、そのことが自信を支えている。

作曲にはキーボードを使うが、聴こえているアイデアを即座に弾ける腕は無いので、頭の中でそのアイデアを練る時間がかなり長くなる。ある程度しっかりと音像が描けてからでないと、うっかり間違った音を弾いた瞬間に全てが吹き飛んでしまうこともあるからだ。ピアノの鍵盤を弄んだり、ギターの弦を爪弾いたりしているうちに1曲出来ちゃった、なんて人を羨ましく思うことも無いではないが、すぐに楽器に触らずに脳内でアイデアをゆっくり育む、その時間が曲の根幹、主張を強靭にすると信じている。

それでも曲は、書き進めるうちに当初思い描いていたのとは全く違う、思わぬ方向へ舵を切ることがある。頭の中では素晴らしい響きだったのが、実際に鳴らしてみると大したことがなくて修正を余儀なくされることもしばしばである。ここが実は一番楽しいところだ。自分の予想を上回る真実の発見。ああ本当はお前はそういう曲だったのだねという感動。そこに辿り着いていないときは、書きながらちょっとした違和感を感じている。その違和感を汲み取り、曲の本当の姿を見付けることが出来るか。作曲家にとって真価を問われる場面であり、腕の見せ所でもある。今回の2曲も、頭の中で充分に曲想を練った上でスタートしたが、書いているうちに徐々に真の姿を現していき、最終的には大分予想と違う作品になった。だが曲の根幹、主張は変わっていない。それでいいのである。

この度の新曲、1つは4ヶ月になる娘に捧げて書いた。陳腐だと思う向きもあるかも知れないが、父親というのはそういうことをするものである。もう1曲は、太古の人類が神々に捧げた、荒々しく野性的な祈りのダンスをイメージしている。どちらもMUSOHという新プロジェクトの船出に相応しい作品に仕上がり、是非多くの方々に聴いて欲しいと願っている。



10月22日（土）、"JAZZ... MAKE IT A DOUBLE" を宜しくお願いします！

MUSOH and its concept

As I have been announcing everywhere, we are throwing a double-bill show entitled "JAZZ... MAKE IT A DOUBLE" on October 22nd at The Triad.

On this show, I am reintroducing my "electro-acoustic" quartet format of guitar, keyboards, bass and drums, which I originally formed in 2005 and wrote a bunch of pieces for. Soon after I started playing with completely acoustic quartet featuring a saxophone in front, mainly because the owner of the club that I used to play gigs insisted that he wanted a horn in the band.

It actually worked out pretty well and made some solid musical statements. Some tunes that I originally wrote for the "electro-acoustic" quartet ended up being recorded with the acoustic quartet for my album Living Together. And I've written some more tunes specifically for the format that I would like to record some time in the future. My gratitude to all the horn players who have played my music and made a lot of contribution, especially saxophonist Sean Nowell.

But now, I would like to go back to my original concept, a fine blend of electric and acoustic, symbolically representing civilization and nature, and give it some time to develop. It has cultural and conceptual significance to me, perhaps because I am a Japanese native and it is an important theme for me to seek a well-balanced way of living in today's world that is losing its balance. I am not a lohas guru who would preach you how to live a sustainable life, and I am not that disciplined myself. But still, the idea of living in harmony with nature, rather than against it, is something I naturally cherish and would like to promote.

With this new project MUSOH, I would like to further explore the band sound that carries the best of both worlds. Color, texture and power of electric meet airiness, directness and warmth of acoustic. They all are going to live together, breathe together and make music together. I look forward to delivering this beauty to you.

正解（こたえ）のない創造の海原へ

こと演奏に関してはアガるということが昔から無かった。
アガるという人の話を聞くと、練習なりリハーサルなり、要は準備したことが上手く演奏出来るかどうか不安なのが主な理由であるようだ。
そして不安になるのは準備が充分でないからだとも思っているようだ。

問題は練習量ではなく、準備、練習の仕方と、演奏の際の心構えにあるように思う。
「練習したことが上手く出来るだろうか」という考えは、そこに演奏すべき「正解」があるという前提に基づいている。そのような前提の下に行われる練習やリハーサルは、自ら設定したその「正解」へ辿り着くための演奏の精度を高めることが目的になりがちである。そして本番の自己評価も、自ら定めた「正解」にどれだけ近付けたかを基準になされることになるだろう。

しかし「正解」は、即興であるなしに関わらずステージに立つその度に異なるのだ。メンバーの調子によって、現場の音環境によって、その時に出されたテンポの微細な違いによって、そしてその時一回限りの聴衆と共に生み出される場のダイナミクスによって。従ってこれは正解が無いのと同義だ。

中でも聴衆との関わりをどう意識するのかは重要である。「オーディエンス参加型」などと称されるコンサートがあるが、何も手拍子をしたり一緒に歌ったりしなくても聴衆というのは本質的にそのライヴ空間に参加しており、場の決定に深く関わっている。ステージの内側で完結せず、聴衆と共に音楽を創っているのだという意識で演奏しているか。さもなければミュージシャンと聴衆は「相対する」他者となり、そのステージは練習したこと（或いは仕込んだネタ）を「発表」するだけの場になるだろう。しかし聴衆が一緒に音楽を創り出す「仲間」であり、ステージの行方はその時々の流動的なものであり、正解など無いのだと知れば、発表会的な図式から解放されて自由な創造の海へと漕ぎ出す勇気を得ることが出来るだろう。

正解（こたえ）のない創造の海原へ恐れず漕ぎ出すためには、環境、状況の変化に柔軟に、自由に対応するための技術と気構えを持っていなければならない。
練習は身体の自由度を高めるために網羅的に行い、「音楽的なフレーズ」をストックすることには拘らない。正解のない創造の海原では、前もって用意したネタなど役には立たないのだ。メンバー、そして聴衆との絶え間ない呼応の中で、押し寄せるインスピレーションの波をどう乗りこなして行くかは、その場の瞬時の判断に委ねられている。そして何が起こるか判らない未来を喜んで受け入れる度量と好奇心が、その判断を支え、導いてくれるに違いない。

I don't think when I listen

It was summer of 1996 and during my first semester at Berklee College of Music.
Some of my friends and I went to see an outdoor concert, I don't really remember which one, I saw many, many concerts that summer.
After the show, on our way back to the dorm, one guy asked me something which struck me as a really odd question.

He asked me, "so, what did you think?"

"Think?" I replied. "Think about what?"

"You know, what they were doing on stage... I'm not sure if I understood them... did you get it? I want to know what was going on."

"You were just there, weren't you? You experienced the whole thing as I did. You know what was going on."

Of course, being a music student, he wanted to be able to analyze the music to pieces and that's what the question was all about, but since I wasn't listening to the music that way, I couldn't satisfy his academic curiosity. Well, being a first semester student, I couldn't have been much of help for him anyway, but that's not really important. The point is, I would still answer him the same way today.

I think that was the first time someone asked me to share my analysis of a concert that I'd just seen. Over the years, I've learned that it is something a lot of musicians do - analyze what they hear and put it into words as they listen. And I believe they are missing so much by doing that.

It's not that I can't analyze it, just for the record, and I do when I have to - when I sit down and study music, I do. But definitely not when I'm enjoying music in the audience.

It is especially disturbing when someone whispers to me while a tune is being played and goes, "hey, what time signature is this?" Truth is, I don't count when I listen to music. I don't try to figure out the scale the saxophonist is playing. I don't care what kind of voicing the pianist is using. And I don't want to describe or explain what's going on. I just want to absorb the entire event as it is. When you allow yourself to take it in as a whole, you know what's going on. And the whole experience leaves something in you. A feeling, an emotion, something you cannot put into words. That's the gem, that's the magic.

I don't think while I listen to music. When you listen to music, you don't have to describe anything with words (unless that's your job). In fact, even a million words won't add up to that beautiful single note you just heard, so why bother?

読みやすく書いてよね

ビジネス・メールは簡潔さと明快さが肝要である。
良く出来たメールはトピックが明確で、仮に長くなっても理路整然として構成力に優れているため大変読みやすく、頭にすっと入ってくる。

一方、残念ながら時々とんでもなく読みにくいメールを書く人がいる。
無用に長く、複数の話題を一通のメールに無理に詰め込んで書いてくる。文章が構成力に欠け、何がそのメールの主たるトピックなのか良く判らない。本当に伝わるべき大事なことが、どうでもいい周辺の説明に埋もれて見えにくい。誤字脱字もそのまま。要点を見落として下さいと言っているようなものだ。

ところがさらに残念なことに、そういう人に限って自分の書いたことは事細かに覚えていて、後から「あのメールにちゃんと書いたじゃないですか」などと言ってくるのである。
読み返してみると確かに書いてある・・・他の4、5件くらいのもっと重要そうな話題の添え物のように・・・これは見落とすだろう、と言いたくなる所に。

何かに似てるなあ、と思っていたのだが、最近判った。
読みにくい譜面に良く似ているのだ。

良く出来た譜面というのは、単に必要な情報が載っているというものではない。デザイン力に優れ、曲の構成や注意すべきポイントを視覚的に掴みやすい譜面は、それだけで読む者（ミュージシャン）の進むべき方向を明るく照らし出す道標となる。本当に優れた譜面なら（ミュージシャンの読譜力が前提とは言え）驚くべき早さで曲をあるべき姿に近付けることが出来る。リハーサルの時間を無駄にしないというプラクティカルな側面からも、「判る」譜面を書くことは実に大事な仕事なのである。

最近は記譜ソフトで譜面を書く人も多いので、音符やコードの表記自体が読めないという譜面は少なくなった。PC上でタイプするメールの文字が一様に綺麗なのと同じである。それでも読みにくい譜面は後を絶たない。ソフトが誤表記まで直してくれるわけではないし、何をどこにどう書くべきかを決めるのは相変わらず人間なのである。必要な情報が書かれていないのは論外だが、必要な情報が載っているにも関わらず読みにくいのは書く者のデザイン力、構成力の問題であって、幾ら記譜ソフトを駆使して「悪筆」を撲滅したところで解決しないのである。そして残念なことに、そういう譜面を書く人に限って（以下略）

実を言うと、醜悪な譜面を長年に渡って読まされ続けるうちに、ミュージシャン側の読む力が妙に鍛えられて大概の局面は何とか出来るようになってしまうという事実はある。だが勿論、それで読みにくい譜面を書くことが正当化されるわけではない。本当の音楽作りは譜面を理解したその先にあるのであって、本番でも必死に譜面に喰らい付いて演奏しなければならないようでは創造のプロセスを深めていくことはままならないのだから。

新しいプロジェクトのために新曲を書き始めた。充分気を配って譜面を用意したい。